Таймлайн европейского искусства
Таймлайн истории искусства Европы протягивается от Греции и Рима через Средние века и эпоху Возрождения к Новому времени, а затем продолжается в модернистский и постмодернистский период.
За три тысячи лет истории сменилось несколько культурных парадигм, но несмотря на все преобразования, западный культурный код остается узнаваемым.
АНТИЧНОСТЬ III тысячелетие до н. э. — V век
История европейского искусства начинается в период античности, когда на берегах Эгейского моря возникали все новые греческие города, ставшие колыбелью западной цивилизации.
Греция была первым крупным центром знаний в западном мире. Торговые пути связывали ее с богатыми государствами Междуречья и культурным ареалом Египта. Греки многое переняли у стран Востока как в плане научных открытий, так и в плане искусства, но только эллины ставили перед собой задачу добиться точного отражения реальность как в знании, так и в эстетическом переживании.
Греческое искусство было одержимо совершенством. В этого культурного кода находится «логос» как выражение замысла богов, который воплощается в несовершенных телах, но подлинно может быть постигнут через философию, поэзию и искусства. Эта культура антропоцентрична, но сфокусирована не на конкретном человеке, а на его идеальном образе. Калокагатия — единство красоты и добродетели — воплощается в статуях атлетов, воинов и богов. Римское же искусство было ближе к правде и конкретике. Для римского портрет важен образ конкретного человека, граждадина, воина, ответственного лица, как Консул Брут, чье лицо навсегда остается в памяти.
Если греки были в первую очередь поэтами и философами, то Рим был государством инженеров. И речь не только о «бетонной революции», благодаря которой возникли дешевые и быстрые в производстве, невероятно эффективные сооружения (акведуки, инсулы, арочная структура Колизея), но и элементы «социальной инженерии». Римляне охватили огромную территорию империи сетью дорог и единой системой законов, «римское право», которое до сих пор является основанием многих законодательных систем Европы.
Однако, даже самые могущественные империи не живут вечно, их границы меняются, открывая новые страницы истории. Осколки некогда единой Римской империи в период Раннего Средневековья становятся отдельными королевствами, которые много веков спустя станут знакомыми нам странами Европы.
395 год — произошло разделение Римской империи на Западную и Восточную часть. 455 год — вандалы разграбили Рим. 476 год — вождь солдат-варваров Одоакр сверг последнего императора Западной Римской империи Ромула Августа.
РАННЕЕ СРЕДНЕВЕКОВЬЕ VI–IX вв.
В искусство Раннего Средневековья соединялись очень разные составляющие: отголоски античной культуры, варварский вкус, арабские мотивы и визуальный язык новой религии. Можно сказать, что именно христианство стало тем объединяющим началом, благодаря которому Европа сохранила целостность своей цивилизации. После падения Рима обществу нужен был «якорь», им оказалась быстро растущая христианской церковь, влияние которой постепенно усиливалось. В Византии, которая тысячу лет удерживавшая власть над территорией Восточной римской империи, строились величественные храмы, украшенные фресками и золотой мозаикой, писались иконы и православные богослужебные книги. А на Западе конкурировали между собой несколько религиозных направлений, например, одно время государственной религией было арианство (позже признанное ересью). На сводах Арианского баптистерия в Равенне золотистая смальта мозаики отражает сияние горнего мира, где апостолы стоят подле Христа. Цельность и простота этой величественной композиции напоминает и образы древнеримского искусства и византийскую иконопись.
РОМАНИКА X–XII вв.
Понятие «романский стиль» очерчивает границы европейского искусства XI–XII веков, когда феодальная система становилась прочнее, после столетий «темных веков» снова начали рости города и укрепляться торговые связи. Впрочем, этот термин является условным: он возник в начале XIX века, когда нужно быть внести ясность в историю средневекового искусства и отделить этот период от последующей эпохи, «готики».
Почему именно «романика»? Дело в том, что именно в этот период начали строить более сложные с инженерной точки зрения соборы, на место стоечно-балочной системы пришли арки и полуциркульные своды, напоминавшие об архитектурном наследим Древнего Рима.
Романскому искусству присуща подчас грубая, но всегда острая выразительность. Это характерно как для зданий, так и для скульптуры, фресок и книжной миниатюры. Станковой картины как формата на тот момент не существовало (помимо икон, привезенных из Византии), поэтому свое мастерство живописцы являли либо в монументальных росписях стен соборов и монастырей, либо в филигранно исполненных иллюстрациях к Библии, Псалтыри и другим книгам, ценившимся тогда больше золота. Около 1000 года особенной популярностью пользовалось Откровение Иоанна Богослова, где говорилось о Страшном суде. Людям казалось, что в конце тысячелетия грядет Второе пришествие, готовились к держать ответ за свою земную жизнь. Отсюда повышенная экспрессия и жутковатая отстраненность визионерских образов в одном из главных памятников эпохи — Бамбергском Апокалипсисе.
ГОТИКА XII–XV вв.
Термин «готика» прозвучал сперва как упрек Вазари (художника эпохи Возрождения) по отношению к средневековым мастерам, принесшим в искусство вкус германских племен. Может быть, ему казалось, что тянущиеся вверх нервюры соборов чем-то напоминают силуэты скандинавских кораблей? Или что ажурное окно-роза похоже на золотые фибулы готов? С точки зрения «римского» вкуса изысканность готического стиля выглядело гротеском, однако, именно в этот период начали складываться национальные школы европейского искусства.
Готическая архитектура разительно отличается от романской: соборы вытягиваются вверх словно над камнем больше не властно земное притяжение, на смену толстым стенам приходят легкие каркасные системы, заполненные витражами, в небо поднимаются высокие шпили. Чуть сложнее дать характеристику готической живописи, ведь она, с одной стороны, была вдохновлена византийской иконописью, а с другой, все больше впускала в библейские сюжеты элементы, подмеченные художником в реальности. Алтарные композиции, иконы-картины и книжная миниатюра мастеров готики были адресованы внимательному взгляду ценителей, клириков и аристократов. Это одновременно религиозное и придворное искусство, поэтому Святой Марк, который делится своим плащом с нищим, похож на благородного рыцаря. Для художника этой эпохи добро и красота неразделимы, а сцена при всех реалистичных деталях остается на почтительном расстоянии от зрителя — золотой фон не дает нам забыть, что событие разворачивается не в конкретном месте и времени, а в вечности.
ВОЗРОЖДЕНИЕ XIV–XVI вв.
Почти десять веков искусство Европы служило лишь одной цели: славило Господа и порицало грех. И с наступлением эпохи Возрождения художники по-прежнему считали религиозные сюжеты наиболее значимыми и достойными приложения сил мастеров, однако, теперь художника интересует и человек. Какового устройство его тела? Как работает его визуальное восприятие? Какие вопросы волнуют его изо дня в день? От первооткрывателя Джотто до uomo universale Леонардо — художники искали ответы на эти вопросы.
Подробнее о школах искусства Возрождения рассказано в таймлайне Ренессанса
Эпоху Возрождения мы связываем прежде всего с Италией, где независимые города с XIV-го века состязаются между собой в том, на чьей земле родится самый выдающийся художник. Флоренция и Сиена, Рим и Болонья, Венеция, Пиза, Феррара… казалось, что наступил «золотой век», о котором рассказывали греческие легенду. Художники не просто сумели преодолеть ограничения холодновато-отстраненного средневекового искусства и возродить античный вкус к жизни, но им удалось создать произведения, равных которым не бывало. Строгое совершенство работ Леонардо, мягкое изящество линий Рафаэля, бурная энергия кисти и резца Микеланджело — произведения Высокого Возрождения стали образцом для подражания и основой академического искусства XVII–XIX вв.
Важной была и научная составляющая: художники Ренессанса опирались не на традицию, а на исследование окружающего мира, тем более что сам этот мир значительно расширился благодаря мореплавателям, достигшим берегов Индии, Китая и Америки.
Но не будем забывать и о Северном Возрождении, то есть, о вдохновении художников Нидерландов, Германии, Франции и Англии, которые не порывали с готикой, но продолжали исследовать то, как можно передать божественное присутствие в образах земной жизни. Ян ван Эйк первым из европейцев раскрыл красоту и силу масляной живописи, Альбрехт Дюрер вывел резцовую гравюру на прежде недосягаемый уровень, Питер Брейгель и Иероним Босх словно стерли границу между мирами видимым и невидимым. И хотя Италия пользовалась непререкаемым авторитетом, на Севере сложилась не менее интересная и самостоятельная традиция.
А затем в XVI-м веке на этой территории разворачивается протестантское движение, Реформация. Сложилось совершенно новое представление о религиозном опыте, где человек должен опираться на собственный разум и без устали тренировать волю. Средневековье было побеждено с помощью книгопечатного станка.
Середина 1440-х годов — Иоганн Гуттенберг изобретает печатный станок. 1498 год — португальская экспедиция под руководством Васко да Гамы достигла Индии, обогнув Африку и открыв прямой торговый путь в Азию. 1492–1503 годы — четыре путешествия Христофора Колумба к берегам Америки. 1513 год — португальцы высадились в Китае. 1522 год — экспедиция Фернана Магеллана совершила первое в мире кругосветное путешествие.
БАРОККО XVII век
Барокко — стиль, которому свойственная динамика, патетика, восторженность, театральность. Будь то религиозный сюжет или сцена охоты, под кистью живописца все приходит в движение и наполняется страстью.
Эпоха Барокко, как и Возрождение до него, подарила миру несколько поколений выдающихся живописцев, гениев, смело расширявших границы возможного в своем искусстве. Теперь география становится еще шире: Каррачи и Караваджо в Италии, Веласкес и Ривера в Испании, Рембрандт, Хальс и Вермеер в Голландии, Рубенс во Фландрии, Пуссен и Лоррен во Франции, Ван Дейк в Англии.
«Барокко не сопровождался ни одной теорией, как-то было с ренессансом, — пишет Генрих Вёльфлин. — Стиль развивался, не имея образцов. Казалось, что у его творцов не было сознания, что они в принципе ищут новых путей. Но несмотря на отсутствие теории, современники барокко установили несколько новых оттенков в определении красоты — оттенков до них неизвестных в принятом ими значении. „Новое“ как несогласное с традиционной красотой стало похвальным эпитетом. Развился вкус к новшествам, то есть к тому, что сознательно выходило за рамки античных заветов, и благосклонно принималось все оригинальное, нарушавшее правила».
РОКОКО XVIII век
Рококо — нежное, изысканное, игривое искусство. Это эстетика тонкостенного фарфора, изысканного парфюма, карнавалов и тайных встреч.
Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его «Первой книге форм рокайль и картель» (1736), рассказывающей об этом стиле в архитектуре и дизайне интерьера. Этот термин произошел от французского rocaille, что означает «ракушка, галька», используемого для описания фонтанов или садовых гротов Позднего Возрождения, где ракушки, заделанные в лепнину, использовались для создания сложного декоративного эффекта.
Картины в стиле рококо обычно создавались по заказу богатых покровителей, аристократов, которые разделяли новый вкус к веселью и легкомыслию в искусстве. Искусство рококо, как правило, представляло собой элегантные пасторальные пейзажи, а галантные изображения Жана Антуана Ватто, изображающие развлечения, прогулки и ухаживания. Историческая живопись, изображавшая героев, события прошлого и аллегорические фигуры, также была зачастую решена в логике маскарада, рококо претит чрезмерная серьезность.
Вместе с тем XVIII столетие — это век не только Марии Антуанетты, но также Дидро и Вольтера, философов Просвещения, которые стермились к совершенствованию общества через всестороннее развитие его граждан, их целью было преобразование всех сфер общественной жизни на рациональных основаниях. И были художники, в работах которых мы находим отражение этих идей.
Таким образом в поле стиля Рококо попадают не только Буше, Ватто, Фрагонар и Гейнсборо, но также Симеон Шарден, показывающий идеал простой и честной жизни, и Уильям Хогарт, обличавший пороки своего времени.
При взгляде на рокайльные произведения создается впечатление, что это было беззаботное время, но атмосфера «легкости бытия» обманчива. Не только Франция, но и вся Европа стояла на пороге драматических перемен.
1789 год — Великая французская революция и установление конституционной монархии. 1791 год — казнь короля и установление республики. 1793 год — установление диктатуры якобинцев. 1794 год — Термидорианский переворот и окончание террора. 1795 год — принятие новой конституции и установление власти Директории. 1799 год — переворот Наполеона Бонапарта и установление империи.
НЕОКЛАССИЦИЗМ 1780-е — 1830-е годы
Отвергнув экстравагантность и легкомыслие стилей барокко и рококо, художники эпохи неоклассицизма обратились к античности как к источнику эстетических и нравственных ценностей. Простота и сдержанность, четкость и порядок — снова стали главными критериями качества искусства. Такие художники, как Антон Рафаэль Менгс и Бенджамин Уэст, писали фигуративные композиции, которые копировали древние скульптуры и рельефы; в более поздний период Жак-Луи Давид и его ученик Жан-Огюст-Доминик Энгр, стали подражать античности не только по форме, но и по духу. На первый план выходит героика, сюжеты из истории Древнего Рима и греческие мифы сплавляются с социальной программой философов Просвещения.
Художники были убеждены в том, что искусство должно выражать идеалы мужества и добродетели, что оно способно воспитать зрителя своим морализующим посланием. Это искусство во многом театрально, патетично. Мы видим на полотнах борьбу чувства и долга, личного и сверхличностного начала.
РОМАНТИЗМ Первая половина XIX века
«Буря и натиск» — неслучайно именно так называлось литературное движение, с которого начинается история романтизма в Германии. Поэзия и философия, а затем музыка и живопись — все сферы культуры были захвачены этим течением. Романтики отвергали сухую рациональность, которую несла с собой промышленная революция, и ставили на первое место внутренний мир неповторимой личности.
Уставшие от рационализма и порядка, романтики, распространившие свое влияние на все сферы искусства и гуманитарных наук, предпочитали сугубо личный, субъективный отклик на события, происходящие вокруг. Эмоции и воображение стали цениться выше над разумных доводов. Романтики также отказались от правил академического искусства, чтобы создавать собственные живописные миры, наполненные символами и свидетельствами их личного духовного опыта. Например, Каспар-Давид Фридрих часто изображал своих героев со спины, открытых лучам восходящего или заходяшего солнца, чтобы мы могли почувствовать себя словно стоящими рядом с ними, внимать возвышенной красоте природы и задаться вопросом о том, что мы действительно ценим в нашей быстро проходящей жизни. Образ лодки, уходящей в море, для художника-христианина становится метафорой души, что отправляется «за горизонт», в горний мир.
РЕАЛИЗМ 1840-е — 1880-е годы
Главным признаком реалистического искусства является не столько точное изображение натуры (как думают многие), сколько попытка найти скрытые пружины и болевые точки реальности.
Реализм интересовался тем, как жизнь структурирована в культурном, экономическом, и политическом плане, как социальная действительность формирует личность человека, как «бытие определяет сознание». Реалисты порой обращаются к изнанке современности, пишут то, что прежде считалось уродливым, используя для этого темные тона, «землистую» палитру, упрощенную композицию. В этот период искусство становится этическим манифестом.
В 1840-е годы реализм произвел революцию в живописи, расширив представления о том, что может стать сюжетом, достойным кисти художника. Работая в турбулентную эпоху, отмеченную буржуазной революцией и другими социальными потрясениями, художники-реалисты заменили идеализированные образы древней истории и мифологические сюжеты на сцены из реальной жизни, современной жизни. Они изображали крестьян, горожан, бедняков, рабочих, придавая им такой же вес, каким прежде обладали в живописи герои и аллегорические фигуры. Такие художники, как Оноре Домье, Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле, отказались от создания классической эстетики, чтобы направить внимание своих зрителей на реалии повседневной жизни тех, кого привыкли не замечать.
МОДЕРНИЗМ 1880-е — 1950-е годы
Период модернизма включает в себя огромное количество художественных течений, развивавшихся с конца XIX-го по середину
Импрессионисты первыми бросили вызов традиции, сместив акцент в своих работах с изображения предметов на передачу субъективного визуального опыта. Моне пишет не море, не деревья и не фигуры людей, а тот свет, который попадает на сетчатку глаза, наше впечатление. Еще дальше пошли постимпрессионисты: Сезанн поставил во главу угла композицию, Гоген — цвет, Ван Гог — вибрацию красочного мазка. Сюжет картины и ее фигуративное наполнение все меньше заботили художников, и вскоре живопись взяла новый рубеж: абстракцию. Затем на карте таймлайне модернизма появляются кубизм, фовизм и экспрессионизм, русский авангард, дада и сюрреализм… каждая группировка художников стремилась заявить о себе, создав новый стиль, новую версию языка искусства, демонстративно порывающую связь с прошлым и открытую бесконечно обновляющейся реальности, утопии начала ХХ века.
1939–1945 годы — Вторая мировая война.
СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО 1960-е годы — наши дни
Во второй половине ХХ века появляется множество новых «-измов», среди которых минимализм, неодадаизм, концептуализм, неоэкспрессионизм и ряд других течений. Ни одно из них не длилось дольше десятилетия. Современное искусство быстро меняет свой облик и часто переформулирует задачи, но при этом для художника остается неизменным один вопрос: «что такое искусство?»
В какой момент происходит переход от модернизма к современному искусству? Многие исследователи считают, что это произошло с окончание Второй мировой войны, когда стало понятно, что утопические идеи разбились о социально-политическую реальность. «Писать стихи после Освенцима — это варварство», сказал Теодор Адорно, имея в виду, что искусство не может возвращаться к старым приемам, изображая гармоничное мироздание и прекрасного челвоека в нем так, словно ничего не произошло.
Современное искусство часто идет на конфликт с историей искусства, с «большими нарративами» прошлого, даже со своим зрителем. Многие работы будоражат, удивляют, обращают внимание зрителя на проблемы сегодняшнего глобализованного общества. И даже когда перед нами «красивая картинка», как в работах Энди Уорхола или Джеффа Кунса, за этим стоит горькая ирония, размышление художника о нашем обществе, где категория прекрасного получила конкретную рыночную стоимость.
Подробнее о метаморфозах современного искусства можно прочесть в специально подготовленном таймлайне, где подсвечены основные идеи ключевых направлений.
