Будущее зависит от тебя. Новые правила
«Будущее зависит от тебя. Новые правила» — выставочный проект, который был представлен в 8 городах: во Владивостоке, Красноярске, Хабаровске, Новосибирске, Екатеринбурге, Самаре, Краснодаре, Москве в 2008–2009 годах. Это был самый масштабный выставочный проект современного искусства в России за последние 50 лет.
Инициатор и руководитель проекта — Пьер-Кристиан Броше.
Целью проекта было не только поделиться с публикой знаниями о современном искусстве, но и привлечь бизнес аудиторию для поддержки местной культуры. Будущее культуры России зависит от каждого жителя страны, но без участия бизнеса для многих регионов знакомство с современным, актуальным искусством оказывается затруднительным. «Новые правила» нового века подразумевают активное социальное участие коммерческих структур в просвещении новых поколений, выросших в Российской Федерации на стыке веков. Культура не может существовать без финансирования частного бизнеса, но и бизнес без культуры лишается серьезного социального содержания.
Города
Владивосток / 3 — 21 апреля 2008 Место: Этнографический музей им. Арсеньева, Светланская 22 Посещаемость: 6342 человека (по данным музея)
Красноярск / 17 мая — 9 июня 2008 Место: Красноярский музейно-исторический центр, площадь Мира 1. Посещаемость: 12300 человек (по данным музея)
Хабаровск / 27 июня — 5 августа 2008 Место: Дальневосточный краевой художественный музей, ул Шевченко 7 Посещаемость: 10754 человека (по данным музея)
Новосибирск / 21 августа — 1 сентября 2008 Место: Аэропорт Толмачево, зал ожидания Посещаемость: 75000 человек (по данным САБ аэропорта)
Екатеринбург / 10 сентября — 5 октября 2008 Место: Свердловский областной краеведческий музей, Малышева 46 Посещаемость: 5229 человек (по данным музея)
Самара / 11 ноября — 30 ноября 2008 Место: Самарский областной художественный музей, Венцека 55/57 Посещаемость: 11070 (человек по данным музея)
Краснодар / 23 декабря 2008 — 1 февраля 2009 Место: Краснодарский краевой художественный музей, ул Красная 15 Посещаемость: посещаемость более 7000 человек
Москва / 29 мая 2009 — 2 августа 2009 Место: Московский музей современного искусства, ул. Петровка 25
Художники
Группа АЕС+Ф, Юрий Альберт, Сергей Братков, Аннушка Броше, Сергей Бугаев (Африка), Дмитрий Гутов, Георгий Гурьянов, Владимир Дубосарский и Александр Виноградов, Константин Звездочетов, Алексей Каллима, Валерий Кошляков, Олег Кулик, Владислав Мамышев (Монро), Андрей Монастырский, Тимур Новиков, Анатолий Осмоловский, Айдан Салахова, Павел Пепперштейн, Синие Носы, Ольга Чернышева, Сергей Шеховцов (Поролон).
87 произведений искусства созданных крупнейшими художниками за последние 30 лет, входящие в состав данной выставки, являются коллекцию, собственностью коллекционеров. Пьер-Кристиан Броше сформировал ее специально для этого проекта. Это мини-музей современного искусства систематизирован в семь тематических разделов для удобства ознакомления: «Идея», «Неоклассика», «Пародия», «Психоделия», «Революция», «Социальность» и «Тело».
Раздел «Идея»
Выживет ли искусство? Устоит? Может быть, удастся найти магическую эссенцию искусства, волшебный порошок, оживляющий предметы?
Юрий Альберт. Из серии «Работы со старыми текстами 1981–1982». 60×50, 4 части. Холст, трафарет, акрил. 2007
На такие вопросы и пытается ответить концептуализм. Это направление возникло практически одновременно в США, Европе и СССР — на рубеже 1960-1970-х годов. Начало такого рода искусству было положено французским художником Марселем Дюшаном. В 1915 году он обратился к созданию так называемых «ready-mades»: реальных предметов, выставлявшихся Дюшаном как произведения искусства. Самым известным из дюшановских ready-mades является писсуар, показанный им на выставке в Нью-Йорке в 1917 году. Писсуар был выставлен за подписью «R. Mutt» и назван «Фонтаном». Основанием для такого ради-кального жеста стал интерес Дюшана к базовым философским принципам искусства, его зависимости не только от содержания и формы, но и от контекста. В концептуализме, в большой степени наследующем Дюшану, огромную роль стал играть текст, который либо замещает произведение, либо комментирует его. Среди основателей концептуализма — американцы Джозеф Кошут, Джон Балдессари.
Юрий Альберт. Автопортрет в виде другого художника. 170, 1×115,2 (6 частей). Холст, шелкография. 1990
Юрий Альберт. Велосипедное колесо. Объект. 170×40×50. Дерево, металл. 1992
В чем заключается главное отличие искусства от не-искусства? Ответить на этот вопрос не так просто. За последние двести лет целые эпохи очищаются от презрительных оценок прошлых поколений. Так произошло с готическим стилем, к которому до романтиков в начале XIX-го века никто не относился серьезно. Так случилось с искусством Византии — его, как и готику, сравни-вали с итальянским Возрождением и находили на основе этого сравнения примитивным.
Андрей Монастырский. Дышу и слышу. 61×61. Фотография. 1983
Наконец, в XX-м веке были открыты африканские маски, грубые, но впечатляющие образцы творчества народов без утонченной, европейской культуры. Разнообразие стилей, интерес к самым разным культурам заставило философски настроенных художников задуматься о том, что случится, если в искусстве не останется никаких признаков индивидуальности, ремесла, климата и так далее.
Андрей Монастырский. Из проекта «Золотые линии». 21×29 (3 части). Фото, смешанная техника. 2006
Раздел «Неоклассика»
«Неоклассику» мы понимаем широко: это любое проявление искренного увлечения фигуративным искусством, возникшим до XX века. Можно найти множество параллелей с искусством других эпох и у художников других разделов. Но именно в «неоклассике» речь идет о вариациях на уже известные формы.
AES+F. Новая свобода. 135,5×95,5. Печать на холсте. 1996
AES+F. Лесной царь. 120×140. Печать на холсте. 2001
AES+F. Танк и водопа. 100×200. Печать на холсте. 2006
Идеалы высокого искусства не умирают, они просто переходят в разряд бесспорного, хоть и скучноватого, прошлого. Художники берутся вырвать их из почтительного забвения, подобно тому, как первые римские антиквары рыли землю, чтобы доставать из нее шедевры античности.
Георгий Гурьянов. Борцы. Триптих. 150×300. Холст, масло. 1993
В XX-м веке возвращение к традиции (или некоторым ее стилевым признакам) началось сразу после бурного периода инновации 1900-1920-х годов. К 1930-м годам реакция на модернистское искажение предмета и видимого мира вообще получила поддержку от тоталитарных режимов Германии, Италии и СССР. В Италии и Германии классика использовалась как государственный стиль, призванный напомнить соседям по Европе о Римской империи — Гитлер и Муссолини считали, что их государства наследуют Риму. Крах фашизма явился на некоторое время и крахом неоклассики. Но интерес к ней не пропадал.
Валерий Кошляков. Кафе. 2006
Расписание. 340×220,5. Холст, битум, акрил. 2006
Пейзаж с рекой. 300×360. Холст, битум, фольга, акрил. 2006
Москва. Кремль. 200×300. Холст, акрил. 2008
Тимур Новиков. Пингвины. 186×236. Ткань, масло. 1989
Тимур Новиков. Оскар Уайльд. 85×124. Ткань, смешанная техника. 1992
Одним из лучших неоклассических художников СССР послевоенного времени является академик Дмитрий Жилинский. Сегодня неоклассика как атрибут власти и богатства встречается все реже, зато художники обращаются в ней довольно часто.
Айдан Салахова. Невеста. 220×140. Печать на холсте, видео. 2005
Айдан Салахова. Я люблю себя. 201×150. Холст, масло. 2005
Раздел «Пародия»
Нельзя забывать о том, что с интереса к коммерческой, в прямом смысле слова, живописи начался русский авангард. Художники объединения «Бубновый валет» чрезвычайно ценили наивно написанные вывески булочных, магазинов, мастерских. Правда, сегодня реклама поставлена на поток, и не так наивна. Но и отношение у художников другое.
Константин Звездочетов. Тетя Паша. 150×200. Холст, акрил. 2006
Массовая культура предлагает нам тысячи развлечений, а реклама — миллионы удовольствий. Если верить массовой культуре, вся наша жизнь похожа на сказку, вернее — много-много сказок. Согласно рекламе, мы каждую секунду должны получить смертельную дозу наслаждения от всех, абсолютно всех предметов нашего повседневного обихода.
Дубосарский & Виноградов. Портрет с пластовым. 150×200. Холст, масло. 2007
Дубосарский & Виноградов. Мишки. 150×200. Холст, масло. 2008
Уже давно замечено, что и массовая культура, и реклама замещают в нас чувство чудесного, которое когда-то давала религия (в советском варианте — идеология). Художники раздела «Пародия» делают из «сладкой жизни» гротеск. И одновременно превращают тиражный, многократно скопированный, проданный-перепроданный визуальный товар в единичное событие.
Аннушка Броше. Из серии «Экстази». 80×60. Холст, масло. 2006
Аннушка Броше. Из серии «Экстази». 65×55. Лайт-бокс. 2007
Роль пародии в культуре очень важна, если понимать ее не как нечто, связанное с юмористическими передачами, а как особый жанр. Великий филолог Юрий Тынянов в начале XX века писал: «Обнажение условности… — огромная эволюционная работа, проделываемая пародией».
Сергей Шеховцов (Поролон). Собаки города N. 120×70×35, 180×50×50 (колонна). Поролон, смешанная техника. 2007
Раздел «Психоделия»
Парадоксальные противопоставления, превращения живой материи в неживую (и обратно) характерны для сюрреализма.Психоделия в изобразительном искусстве берет истоки в сюрреализме, но пространство для игры расширяется. Для психоделии иллюзиями становятся не только сны и наркотические состояния, но и целые культуры, идеологии.
Психоделия пришла к нам из Америки, из бурных потоков свободы, прилившихся на молодежь США в 1960-е годы. Вернее, она началась еще раньше, когда американскому философу Уильяму Джеймсу под влиянием опиума показалось, что все в мире пахнет нефтью.
Сейчас, во времена, когда нефть стала главной валютой и инструментом влияния на международной арене, нам кажется, что он был не так уж и не прав. Может, психоделические эксперименты современных художников тоже несут в себе зачатки будущих представлений человечества о мире.
Сергей Бугаев (Африка). Якобы сон.115×150. Флаг, ткань, вышивка. 1995
Сергей Бугаев (Африка). Это не Якобсон.131×165. Флаг, ткань, вышивка. 2006
Сергей Бугаев (Африка). Ребус. 200×200. Мет
В первую очередь мы видим в них свободную игру ассоциаций, танец стилей и видений. Образы как перекати-поле несутся из одного контекста в другой. Агрессивные символы буквально смягчаются, как воск, лозунги становятся трогательными, словно надписи на открытках к 8 марта.
Павел Пепперштейн. Город «Россия». 80×190. Холст, акрил, масло. 2007 (Раздел «Психоделия»)
Корни психоделического искусства следует искать в сюрреализме. В 1920-е годы художники-сюрреалисты исповедовали бессознательное творчество, в рамках которого образы как будто возникают сами собой. Отключение сознания и логического мышления стало основой сюрреализма. Многие сюрреалисты пользовались наркотическими веществами (опиум).
Павел Пепперштейн. Социализм вернется! 141×423. Холст. акрил. 2006
Раздел «Революция»
В советское время уверенность в победе коммунизма была делом подневольным. Поэтому и творчество социалистических реалистов имело мало отношения к левой идее. Современные художники находят более тонкие способы сопоставить свои политические взгляды с творчеством.
Дмитрий Гутов. Гегель. Субъект и обратные силы. Вариант 2. 100×70. Холст, масло. 2007
Дмитрий Гутов. Переписка Шиллера с Гете. 100×50,5. Холст, масло. 2007
Еще пару десятков лет назад каждому художнику в СССР предписывалось быть коммунистом. Казалось бы, левые убеждения отошли в прошлое. Но нет — творцы, всерьез верящие в социализм, справедливость, равенство, есть и в наше время.
Дмитрий Гутов. Кризис безобразия. 120×100. Холст, масло. 2004-2006
Дмитрий Гутов. Маркс. Рукопись «немецкая идеология». 73×90 и 58×58 см. железо, сварка. 2007
Искусство, пропитанное политическими взглядами (не обязательно левыми), должно быть, с одной стороны, понятным массам, и с другой — отсылать к предыдущим примерам революционного творчества.
Анатолий Осмоловский. Хлеба. 50×40. Дерево. 2007
В истории русского искусства революционные настроения обычно связывают с авангардом (супрематизмом К. Малевича, конструктивизмом В. Татлина). Абстрактное, геометрическое искусство считалось более демократичным, чем фигуративное. Но в 1920-е годы поиски художников-коммунистов не ограничивались абстракцией: для изображения «новой жизни» использовался и опыт французской живописи, и арт-деко. В 1940-50-е абстракция и левые взгляды соединились в практике американских абстрактных экспрессионистов (Б. Ньюман, Д. Поллок, А. Рейнхардт). Крупнейший фигуративный художник второй половины 20 века, придерживавшийся левых взглядов — немец И. Иммендорф. В своих антибуржуазных полотнах он следовал за сюрреализмом и социальным гротеском своих соотечественников 1920-х.
Анатолий Осмоловский. Путешествие Нецезиука в страну Бробдигнегов (Маяковский-Осмоловский). 131,5×91,5. Фотография. 1993
Анатолий Осмоловский. Из серии «Жуки». 16×35×30,5. Дерево, пластик. 2004
Раздел «Социальность»
Художники раздела ищут микро-сюжеты, биение жизни вдалеке от новостей. Одновременно им интересен человек в его повседневных проявлениях, в тех ситуациях, которые объединяют нас всех.
Сергей Братков. Гимн. 110×280. Фотопечать на пластике. 2007
Сергей Братков. На вулкане. 70×192,2. Лайт-бокс. 2004
Конкурсы и премии крупнейших новостных агентств за лучшие репортажи года всегда пользуются большим вниманием. Зритель а хочет заглянуть в далекие уголки планеты, где живут его современники и сверстники. Но живут совсем иначе. По другим законам, в трудных — или более легких — обстоятельствах.
Алексей Каллима. Граница. 160×460. Холст, сангина, уголь.2007
Впрочем, репортажное фото быстро увядает. Жизнь предлага-ет все новые и новые сюжеты, поэтому лишь редкие образцы пойманных мгновений долговечны. Художнику, работающему с повседневностью, приходится это учитывать. Он понимает, что в пойманном им ракурсе должно быть не только содержание, не только информация, но и обобщение.
Алексей Каллима. Неустойчивые конструкции. 160×160. Холст, акрил, уголь. 2004 — 2008
Алексей Каллима. Между случайностью и необходимостью. 160×160. Холст, акрил, уголь. 2004 — 2008
Искусство как комментарий к общественным процессам возникло во второй половине 19-го века. Жанровые полотна «передвижников» изображали типичных представителей разных общественных слоев России в типичных обстоятельствах. Термин «реализм», возникший во Франции по поводу работ Гостава Курбе, широко использовался для описания работ «передвижников», хотя мелодрама и патетика играли в их работах не меньшую роль, чем честные наблюдения за жизненными ситуациями. С широким распространением фотографии реализм как стилистическая установка потерял свою актуальность. Социальная несправедливость чаще осмыслялась художниками в гротескной форме (см. работы немцев Георга Гросса, Отто Дикса, скульптора Эрнста Барлаха 1920-х гг.). В настоящий момент роль критика общества средствами визуального искусства все чаще играет фотограф.
Ольга Чернышева. В ожидании чуда. 80×125×10. Лайт-бокс. 2000
Ольга Чернышева. Лук. 98×137. Фотография. 1997
Раздел «Тело»
В таком виде искусства понятие о «творческой индивидуальности» доведено до последнего предела. Художник общается со зрителем не посредством специальных материалов, а используя в качестве материала самого себя.
Олег Кулик. Не могу больше молчать! Страсбург, Европейский парламент. 132×90. Фотопечать на пластике. 1996
Олег Кулик. Я кусаю Америку. 164,5×131,5. Фотография. 1997
Тело считается в первую очередь инструментом актера или танцора, реже — музыканта. Но уже конца 1970-х оно прочно завоевало себе место в изобразительном искусстве с помощью особого вида творчества — перформанса. Художник смог показать в качестве произведения самого себя, поделиться со зрителем опытом существования в особых, театрализованных, условиях. Еще одной важной задачей перформанса было создание единой, не отделенной рампой сцены для всех наблюдателей действа.
Владислав Мамышев (Монро). Жизнь замечательных Монро. 75×60. Фотография. 1995
Владислав Мамышев (Монро). Уорхол, Мэрилин. 78×77,5. Фотография. 2005
В какой-то степени это направление можно вывести из старинного жанра автопортрета художника в образе. На русской почве одной из первых подобных картин стал «Автопортрет и портрет П. Кончаловского» И. Машкова, на котором художники предстают в образе ярмарочных атлетов.
Синие Носы. Кухонный супрематизм. 86×91. Фотография. 2005-2008
В искусстве Запада мастерами перевоплощений считаются американка Синди Шерман, японец Ясумаса Моримура и итальянец Луиджи Онтани. Собственно, Шерман можно считать основателем современного автопортрета: ее серия «Кадры из фильмов без названия» (1979) была первой в этой области. Искусство перформанса — и соответственно его документации — расцвело в Европе в 1970-е годы. Оно часто связано с пограничными или физически невыносимыми состояниями человека.
Синие Носы. Реквизит для революций. 120×80. Лайт-бокс. 2003
Руководитель проекта: Пьер-Кристиан Броше
Исполнительный директор проекта: Алексей Уманский
Директор по маркетнингу, пресс-агент проекта: Екатерина Осипова
Технический директор проекта: Илья Матвеев
Координаторы проекта: Ирина Лысова, Анна Артемьева, Ирина Касьянова
Технический координатор: Иван Балахонов
Видео и фотосъемки: Артем Мансимов / bigDV
В работе над каталогом принимали участие: Валентин Дьяконов, Юлия Гниренко, Милена Орлова, Пьер-Кристиан Броше, Екатерина Осипова, Дмитрий Горяченков
Верстка и пре-пресс: Дмитрий Горяченков
Репродукционная фотосъемка: bigDV
Фотографии для каталога предоставили: Константин Рубахин, Александр Забрин, Игорь Мухин, Наталья Жерновская
Коллекционирование — это тоже творческий акт.
