Перформативность, одиночество и протест: творчество глазами американских художников XX века
Джон Слоан «Гримерка клоуна» (1910) (фрагмент)
Концепция
В 2020 году американский комик, музыкант, актёр, поэт и режиссёр Бо Бернем создает полуторачасовое шоу «Inside» («Дома»), которое становится знаковым отображением сути жизни времен карантина, да и жизни современного человека в целом — он запечатлевает изоляцию, уязвимость, одиночество главного героя.
Эдвард Хоппер «Утро на Кейп-Код» (1950) (фрагмент)
Помимо прочих тем, комедийный спешл предлагает мета-взгляд на роль творца, который может предложить миру лишь свой «контент» во времена глобальных кризисов и катастроф. Герой-создатель, находящийся под пристальным взором публики в собственном доме, который не может покинуть буквально и метафорически, сталкивается со своей ролью развлекателя, неспособного повлиять на волнующие его проблемы в обществе или личной жизни.
Тем не менее, герой признает, что такой способ взаимодействия с миром — это все, что у него есть. Он — «простой малый, застрявший в комнате», а значит, всего лишь человек, желающий своими произведениями достучаться до окружающих, и он может только продолжать творить любой ценой, рискуя быть непонятым, и остаться «дома», вдали от единомышленников и настоящего искусства, а не «контента».
Эдвард Хоппер «Утро на Кейп-Код» (1950)
«Перформативность» — слово (образованное от английского «to perform» — делать, выступать), обозначающее неискренность, показательность тех или иных действий или характеров.
Этот термин обрел особую популярность в сети в 2025, в рамках тренда на обличение «перформативности» интересов и образа жизни модной молодежи. Важно отметить, что аспект показательности «перформативного» образа жизни подразумевает наличие зрителей такого «перформанса». И, как и в случае главного героя «Дома», зритель современных модников — это случайный пользователь Интернета, или современник, встреченный в реальности, чье расположение и принадлежность к чьему кругу он пытается завоевать.
Джон Слоан «Витрина картинной лавки» (1907) (фрагмент)
Прежде чем искусство XXI века наполнилось подобными рефлексивными комментариями о собственной показательности, прежде чем развился Интернет, и пользователи поняли, что создание любого «контента», в том числе и произведений искусства, поддержание любого образа, требует доли «перформативности», художники уже обращались теме перформанса как части человечности, роли творца как развлекателя, неизбежности стороннего наблюдения человеческой жизни и творчества и уязвимости наблюдаемого.
В XX веке западный мир пережил множество кризисов и потрясений, повлиявших на историю, быт людей и их мировоззрение, а значит, и на искусство.
Джон Слоан «Витрина картинной лавки» (1907)
Художники новых течений все шире выбирали темы для работ. Но в числе неизменных тем оставалось само творчество, роль творческого человека. К XX веку устоялась роль творцов как развлекателей широкой публики, само творчество в своем многообразии стало доступнее и массовее распространилось, «обросло» новыми формами. Визуальное искусство теперь было частью индустрии развлечений, доступное многим и имеющее рыночную цену.
Америка тех времен задала стандарт современной западной культуры развлечений, актуальный до сих пор.
Печать, кино, фотография влияли на восприятие и доступность художественных произведений. И оттого появляющиеся в работах мастеров этого периода сюжеты публичных выступлений, перформанса, и, в целом, нахождения под наблюдением окружающих — это, в том числе, рефлексия авторами их места в массовой культуре, места в меняющемся мире как творцов и людей.
Эдвард Хоппер «Нью-Йоркский кинотеатр» (1939) (фрагмент)
Выбор темы обоснован интересом к истокам формирования современного понимания об искусстве как о части индустрии развлечений, о месте художника в мире и обществе.
При выборе материалов для исследования был сделан упор на поиск примеров-иллюстраций разных «ролей» американского художника XX века, принимая во внимание сюжеты в большей мере, чем подход или форму, однако ограничиваясь живописью и графикой для большей цельности исследования. Текстовые источники, выбранные для работы, подкрепляют и анализ представляемых в ней произведений, и контекст их содержания и создания.
Структурирование исследования основано на разных ипостасях, в которых находят себя американские авторы в XX веке, главных героях их картин, отражающих суть их саморефлексии.
Ключевым вопросом исследования можно назвать вопрос формирования в современной западной культуре взгляда на смысл художественной деятельности: ограничивается ли предназначение художника развлечением публики, или у творчества есть высшая цель?
Структура
- Концепция
- Структура
- Развлекатель
- Часть общества
- Творец
- Заключение
Развлекатель
Эдвард Хоппер «Soir Bleu» (1914)
Герои одной из ранних работ Эдварда Хоппера «Soir Bleu» («Синий вечер») — люди разных классов и жизненных путей, объединенные, помимо общего местоположения — парижского кафе — одиночеством. Именно мастерская передача всех оттенков этого чувства позднее прославит Хоппера, но в «Soir Bleu» нет сходства по сюжету и композиции с привычно-лиминальными нью-йоркскими пространствами с его более известных поздних полотен художника.
[Герои картины] «…Являются частью мира отчужденных городских развлечений, в котором каждый всегда в поиске смысла в чем-то еще, будь то возможность скрыться за костюмом, опуститься на дно бутылки, разменяться на услуги проститутки, сигареты или вечеринки.» [2]
Многофигурная композиция картины лишь усиливает изоляцию героев. Среди них выделяется фигура клоуна в белоснежном костюме — он не выступает, ни с кем не взаимодействует, напряженная мимика и пустой взгляд героя указывают на его разочарование, душевную боль. Зрителю понятно, что артист не смог развлечь свою публику, не был понят, и мы наблюдаем момент творческого кризиса так неуместно выделяющегося героя-клоуна, одиноко курящего среди совсем непохожих на него людей.
Можно предположить, что для Хоппера, не нашедшего на тот момент свою аудиторию, грустный клоун символизирует его самого.
Образ художника-развлекателя, его взаимодействия с аудиторией и собственным делом, определенная «перформативность» творчества, ярко проявляется в этом произведении.
Эдвард Хоппер «Soir Bleu» (1914) (фрагменты)
Светские парочки, девушки легкого поведения, вычурные генералы и беспринципные сутенеры — в такое окружение Хоппер помещает своего главного героя, это, по его мнению, место художника в современном парижском обществе.
«Soir Bleu» не приняла публика, и, подобно своему герою, Хоппер разочарован, и не возвращается к подобным сюжетам. Однако чувство изоляции, пустоты, переданное на этом раннем полотне, становится основой настроения всех самых известных будущих работ художника. [5]
Джон Слоан «Гримерка клоуна» (1910)
На картине Джона Слоана «Гримерка клоуна» появляется очень схожий с вышеописанным персонаж. Одинокий артист, уединившись, наносит грим перед вечерним шоу. Кажется, он изображен встревоженным — на картине нет публики, но есть нервное ожидание встречи с ней — мы будто бы слышим доносящийся через стены шум толпы, собирающейся в зале.
Волнительный процесс приготовлений к демонстрации своего творчества — не важно, на сцене или в картинной галерее — знаком и автору, и герою его работы.
Реджинальд Марш «Бурлеск» (1946)
На работе Реджинальда Марша «Бурлеск» изображена одна из его излюбленных сцен — выступление артисток бурлеска, которые он зачастую рисовал с натуры. [4]
Выступающие девушки изображены в скованных позах, с опущенными глазами — художник будто бы поймал момент уязвимости, слабости, который не встретить на многих других зарисовках автора с бурлеск-представлений. Публика — мужчины разных возрастов — беззастенчиво и с интересом разглядывают героинь, оценивают их, обсуждают их тела.
Буквально и фигурально обнаженные, они предлагают представление, но любое мнение об их перформансе говорит и о них самих, их теле — как о личности художника говорит оценка его честных, «обнажающих» его душу произведениях.
Джордж Беллоуз «Бой у Шарки» (1909), «Ночь в клубе» (1907)
Зрелищем может стать даже открытое насилие. В сценах боксерских сражений, экспрессивно написанных Джорджем Беллоуз, лица спортсменов сливаются в кровавые пятна, а цинично увлеченные страшным шоу зрители с лицами-масками — беззаботно довольные или полные негодования из-за проигранных в ставке на неудачного кандидата денег — теряют человеческий облик, выглядят жутко и неправильно. Художник использует динамичные фигуры, яркие контрасты — как света и тени, так и цветовые — чтобы передать максимальный эмоциональный накал момента.
Эта ситуация предельного напряжения, желания зрителей боксерского матча испытать яркие эмоции, даже если ценой боли боксеров, фигурально применима к отношениям любого зрителя с любым наблюдаемым.
Часть общества
Джордж Беллоуз «Оба члены этого клуба» (1909)
Во времена написания еще одной картины Беллоуза про боксеров — «Оба члены этого клуба» — бои были официально запрещены. Однако членство частных спортивных клубов позволяло атлетам заработать, а зрителям насладиться шоу. Окруженный белыми мужчинами, как в зрительском зале, так и на ринге, темнокожий атлет отчаянно бьется с белокожим спарринг-партнером.
В США XX века вопрос расового равенства становится одним из ключевых в культуре, законотворчестве и искусстве.
Темнокожего боксера не допустили бы стать членом такого клуба, если бы его боль не нужна была для развлечения и утверждения в своем превосходстве белых зрителей. [1]
Джордж Беллоуз «Оба члены этого клуба» (1909) (фрагменты)
Тем не менее, он решился на этот бой — может, и из отчаяния. Он в меньшинстве. Но, несмотря на это, судя по запечатленной Беллоузом позиции соперников, он выигрывает.
Движение за права темнокожих обнажило многие проблемы западного общества. Выступление Мартина Лютера Кинга с речью «I have a dream» — одна из важнейших сцен американской истории. [6]
Бен Шан «Мартин Лютер Кинг» (1966), «Свобода слова» (1939)
Художники вдохновлялись идеями движения, видели продолжение своих ценностей в публичной деятельности его представителей, что оставило след в их произведениях.
Норман Роквелл «Проблема, с которой мы все живем» (1964)
Знаменитая работа «Проблема, с которой мы все живем» Нормана Роквелла демонстрирует еще один яркий сюжет в истории борьбы за расовое равенство. Афроамериканская девочка, получившая одной из первых возможность учиться в одной школе с белыми учениками, нуждается в защите стражей порядка — разъяренная толпа несогласных с нарушением сегрегации оскорблениями и даже силой готова остановить юную школьницу.
Зритель «Проблемы, с которой мы все живем» как бы оказывается на месте протестующих фанатиков, и вынужден задуматься о том, на какой стороне истории он находится в реальной жизни.
Сама девочка, среди грязи расизма, изображена художником в белоснежной одежде. Как и главный герой «Soir Bleu», в таком облачении она выделяется из окружающей среды; но ее одиночество — часть протеста несправедливости, символом которого для многих стала ее незапятнанная фигурка.
Прогрессивные исторические деятели, наблюдаемые и выступающие, совсем иначе отображают тему «перформативности». Художники XX века обращают наше внимание на определенную силу, заключенную в публичности и показательности, возможность влиять на зрителя, а значит, на мир.
Филип Гастон «Мастерская» (1969)
В картине «Мастерская» Филип Гастон изображает в практически мультипликационном, карикатурном стиле ужасного «мастера» за работой в студии. Мы видим фигуру, скрытую под белым колпаком Ку-Клукс-Клана. Такой ужасный художник воспроизводит то, что для него понятно — свой же портрет — и зло распространяется.
«…Если история не провоцировала прогресс и не становилась „чистой“, то почему таким должно становиться искусство? Современность не была устойчива к насилию и предубеждениям прошлого.» [3]
Филип Гастон бесстрашно выбирает героями для серии своих произведений провокационный образ «Клановцев», чтобы показать — расизм — это часть американской обыденной реальности, и люди таких взглядов способны продвигать их в искусстве, повседневных разговорах, распространяя жестокость.
Так, Гастон наделяет особой силой и зрителя любого произведения, и демонстрирует, что стоит за извращенным применением влияния на него наблюдаемого.
Творец
Картина Филипа Гастона «Художник» не оставляет зрителю возможности проигнорировать боль творчества, работы главного героя «на износ». Он пронзает нас взглядом «в душу» глаз, налитых кровью после бессонной ночи у мольберта. Пытаясь утолить боль небезразличного разума алкоголем и табаком, художник смотрит на нас с немым вопросом «За что?»
Филип Гастон «Художник» (1976)
За спиной героя — темнота, мы не знаем, в каких обстоятельствах он находится; перед ним — глухая кирпичная стена — мы навсегда разделены непониманием, которое неизбежно между автором и зрителем.
Но каким может быть искусство в чистом виде? Что противопоставлено «перформативности», если не чистейший акт создания?
В картине «Черта», написанной всего через два года, Гастон изображает процесс сотворения в той форме, которую можно назвать «первозданной» и даже священной.
Филип Гастон «Черта» (1978)
Рука, будто божественная, возникающая из облаков, чтобы прочертить линию, испещрена венами и сухожилиями, похожими на снопы молний, но при этом усиливающими человечность ее владельца через ее осязаемость, вес, даже, возможно, возраст.
До нее пейзаж, ее ныне окружающий, состоял лишь из плоскости земной тверди и безоблачного неба «унылого» оттенка. Но она появляется, чтобы что-то создать.
И, с одной стороны, ее творение — это черта-граница, еще одно препятствие, разделяющее творца и зрителя, и в целом всех людей между собой.
Филип Гастон «Черта» (1978) (фрагмент)
Но с другой стороны, эта линия — след, оставленный создателем. И этот след моментально меняет то, как выглядит окружающее его пространство. У художника в чистейшем понимании есть возможность повлиять на мир. И, даже если в момент создания этот мир пустынен, однажды люди обязательно увидят следы его творения, а значит, его вклад ценен.
Заключение
Рассмотрев картины американских художников XX века, мы видим, что взаимодействие с публикой, так же, как и само творчество, донесение своих идей до окружающих, ставят авторов в уязвимую позицию. Процесс рефлексии собственных отношений с «перформативностью» художественной деятельности сподвиг мастеров обращаться к образам развлекателей, выступающих и наблюдаемых, наделять их собственными эмоциями, идеями и опытом взаимодействия со зрителем, незримым или буквальным.
В этом опыте много боли, но он неизбежен — автору нужен зритель, и наоборот. Как у публики, так и у художника, есть ответственность перед миром — не навредить, бережно отнестись к дару доверия друг к другу.
Создание никогда не бесследно, а значит, у него всегда есть зритель, и стремление оставить хороший след своим творчеством — и есть его высшая цель.
След работ, рассмотренных в этом исследовании, заметен сегодня, в XXI веке, идеи их авторов продолжают жить, а значит они этой цели достигли.
Artworks Both Members Of This Club // National Gallery of Art [Электронный ресурс] — URL: https://www.nga.gov/artworks/30667-both-members-club (дата обращения 13.05.2026)
Audio Archive EDWARD HOPPER, SOIR BLEU, 1914 // Whitney Museum of American Art, 21 мая 2013 [Электронный ресурс] — URL: https://whitney.org/media/945 (дата обращения 12.05.2026)
Burnett C. Philip Guston: the studio. — MIT Press, 2014.
Lot 30 Reginald Marsh Striptease in New Jersey // Artsy Online Art Marketplace, май 2018 [Электронный ресурс] — URL: https://www.artsy.net/artwork/reginald-marsh-striptease-in-new-jersey (дата обращения 12.05.2026)
Stanska, Zuzanna Masterpiece Stories Edward Hopper, Soir Bleu // Daily Art Magazine, 14 октября 2018 [Электронный ресурс] — URL: https://www.dailyartmagazine.com/painting-week-edward-hopper-soir-bleu/ (дата обращения 12.05.2026)
Чантуридзе Юлия Михайловна Отражение афроамериканской картины мира в политическом дискурсе (на материале речи М. Л. Кинга «i have a Dream») // Вестник Северного (Арктического) федерального университета. Серия: Гуманитарные и социальные науки. 2014. № 5. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/otrazhenie-afroamerikanskoy-kartiny-mira-v-politicheskom-diskurse-na-materiale-rechi-m-l-kinga-i-have-a-dream (дата обращения: 14.05.2026)
Эдвард Хоппер «Soir Bleu» (1914) [Электронный ресурс] — URL: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/24/Soir_Bleu.jpg?utm_source=commons.wikimedia.org&utm_campaign=index&utm_content=thumbnail_unscaled (дата обращения 12.05.2026) (обложка)
Джон Слоан — «Гримерка клоуна» (1910) [Электронный ресурс] — URL: https://www.phillipscollection.org/collection/clown-making (дата обращения 12.05.2026)
Эдвард Хоппер «Утро на Кейп-Код» (1950) [Электронный ресурс] — URL: https://artchive.ru/edwardhopper/works/324339~Utro_na_KejpKod (дата обращения 12.05.2026)
Джон Слоан «Витрина картинной лавки» (1907) [Электронный ресурс] — URL: https://www.artsy.net/artwork/john-sloan-picture-shop-window (дата обращения 12.05.2026)
Эдвард Хоппер «Нью-Йоркский кинотеатр» (1939) [Электронный ресурс] — URL: https://www.reddit.com/r/museum/comments/1n5stzd/edward_hopper_new_york_movie_1939/?tl=ru#lightbox (дата обращения 12.05.2026)
Реджинальд Марш «Бурлеск» (1946) [Электронный ресурс] — URL: https://www.questroyalfineart.com/artwork/burlesque-scene-women-walking-along-the-waterfront-1946/ (дата обращения 12.05.2026)
Джордж Беллоуз «Бой у Шарки» (1909) [Электронный ресурс] — URL: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:George_Bellows_(American, 1882-1925)-Stag_at_Sharkey%27s-1922.1133-_Cleveland_Museum_of_Art.jpg (дата обращения 12.05.2026)
Джордж Беллоуз «Ночь в клубе» (1907) [Электронный ресурс] — URL:
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:George_Bellows_-Club_Night(1907).jpg (дата обращения 12.05.2026)
Джордж Беллоуз «Оба члены этого клуба» (1909) [Электронный ресурс] — URL: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Both_Members_of_This_Club_George_Bellows.jpeg (дата обращения 13.05.2026)
Бен Шан «Мартин Лютер Кинг» (1966) [Электронный ресурс] — URL: https://www.artsy.net/artwork/ben-shahn-martin-luther-king (дата обращения 13.05.2026)
Бен Шан «Свобода слова» (1939) [Электронный ресурс] — URL: https://www.sothebys.com/en/slideshows/celebrating-labor-day-with-artworks-that-honor-american-workers (дата обращения 13.05.2026)
Норман Роквелл «Проблема, с которой мы все живем» (1964) [Электронный ресурс] — URL: https://artchive.ru/normanrockwell/works/218852~Problema_s_kotoroj_my_vse_zhivem (дата обращения 13.05.2026)
Филип Гастон «Мастерская» (1969) [Электронный ресурс] — URL: https://ru.pinterest.com/pin/530791506060003952/ (дата обращения 13.05.2026)
Филип Гастон — «Художник» (1976) [Электронный ресурс] — URL: https://www.seattlepi.com/local/seattlenews/article/seattle-art-museum-richard-jane-lang-collection-15979257.php (дата обращения 13.05.2026)
Филип Гастон «Черта» (1978) [Электронный ресурс] — URL:
https://www.artsy.net/artwork/philip-guston-the-line (дата обращения 14.05.2026)